Denise Benda, geboren in São Paulo/Brasilien, entstammt einer traditionsreichen Musikerfamilie.
Sie wurde von ihrem Vater, dem Pianisten Sebastian Benda, ausgebildet und studierte anschließend an der Musikhochschule Wien bei Paul Badura-Skoda, an der Musikakademie Basel bei Rudolf Buchbinder sowie an der Britten-Pears-School in Aldeburgh bei Murray Perahia.
Benda trat in 20 Ländern auf und war in bedeutenden Konzertsälen wie dem Wiener Musikverein, der Liszt-Akademie Budapest, dem Prager Kulturpalast, dem Barbican Centre London, dem Conservatoire Royal de Bruxelles und dem Teatro Sistina in Rom zu hören. Sie gastierte außerdem bei internationalen Musikfestivals wie dem Festival International de Piano La Roque d’Anthéron, dem Sommerfestival Dubrovnik, der Semaine Internationale de Piano Blonay und dem Orford Music Festival in Kanada.
Im Jahr 2003 gründete sie das internationale „Berengaria“-Kammermusikfestival in Zypern, dessen künstlerische Leiterin sie zehn Jahre lang war. Im Rahmen ihrer künstlerischen Tätigkeit spielte die Kammermusik stets eine führende Rolle. Sie war Mitglied verschiedener Kammermusikensembles und arbeitete mit zahlreichen bedeutenden Künstlern zusammen, darunter Josef Suk, Tibor Varga, Evgenia Tschugajeva und Isabelle Faust.
Benda widmet sich mit großer Hingabe der Lehre: Seit vielen Jahren unterrichtet sie als Professorin für Klavierkammermusik an der renommierten „Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien“ (MUK) und gibt regelmäßig Meisterkurse in Österreich, der Schweiz, Kroatien, Taiwan, Japan, Brasilien und Argentinien.
Viele ihrer Studierenden haben in den letzten Jahren Preise bei internationalen Kammermusikwettbewerben gewonnen (ARD München, International Osaka Competition, Duo Competition Monaco, Città di Pinerolo e Torino, The Art of Duo Boulder–Colorado, Schubert Competition Jeseník, Città di Padova, International Duo Competition Ischia, International Piano Competition Roma, Concurso Mirabent Barcelona, Brahms Competition Pörtschach, Vittorio Gui Firenze, Gianni Bergamo Classic Music Award Lugano, Concours de Quatuors à Cordes Bordeaux, Fidelio Competition Wien).
2012 wurde sie zur Professorin für Kammermusik an der Hochschule für Musik Würzburg berufen.

Elisabeth Perry zeigte schon früh außergewöhnliches musikalisches Talent. Sie studierte an der Yehudi Menuhin School und später an der Juilliard School bei Dorothy Belay und Oscar Shumsky. Sie trat mit Yehudi Menuhin in der Royal Albert Hall auf und nahm mit ihm Bachs Doppelkonzert für zwei Violinen auf. Nachdem sie den Wettbewerb der Concert Artists Guild gewonnen hatte, trat sie als Solistin in den USA auf, unter anderem mit Bartóks zweitem Violinkonzert in Chicago im Alter von 19 Jahren.
Später zog sie in die Niederlande, wo sie über 30 Jahre lang als Konzertmeisterin führender niederländischer Rundfunkorchester
tätig war. Als leidenschaftliche Verfechterin zeitgenössischer Musik brachte sie Werke von Komponisten wie Michael Nyman und
Andrew Poppy zur Uraufführung. Sie unterrichtete Violine an der HKU (Konservatorium Utrecht) und ist als Kammermusikerin aktiv, wobei sie weiterhin in ganz Europa und Großbritannien unterrichtet und auftritt.

Richard Wolfe wurde in New York City geboren, wo er sein Studium für Viola unter der Leitung von Aaron Shapinsky begann. Nach Studien bei Dorothy DeLay und Walter Levin (Primarius des LaSalle Quartetts) zog er nach Israel. Als Mitglied des Israel Chamber Orchestra trat er als A-Solist in das "Soldatenmärchen von Strawinsky" auf. Hier hatte er auch seinen ersten professionellen Auftritt als Bratschist in Bachs 3. Brandenburgischem Konzert.

In New York geboren und lettischer sowie deutscher Herkunft, studierte Susan Manoff Klavier an der Manhattan School of Music in New York, an der University of Oregon und in Paris. Ihr kreatives Leben wurde geprägt durch Klaviersolo, Kammermusik, Gesang, Sprachen, Poesie, Musiktheater, Körperbewegung und Chor. Unter ihren prägenden Mentorinnen gab es eine, die ihr besonders deutlich die Richtung ihres musikalischen Lebens wies: In Oregon begegnete Susan Gwendolyn Koldofsky. Die blitzartige Liebe zum Kunstlied-Repertoire – und zu der Person, die dessen Flamme weitertrug – war sofort da. Dieses Repertoire wurde zu ihrer Muse.
Susan Manoff hat für die Labels Alpha Classics, Sony, Naïve, Decca, Virgin, Arion, Valois und Aparte aufgenommen. Ihr erstes Album mit Sandrine Piau, Évocation, erschien 2007, gefolgt von einem zweiten Album, Après un Rêve (Naïve), im März 2011. Mit einem weiteren geschätzten Partner, Nemanja Radulovic, nahm sie Sonaten für Klavier und Violine von Ludwig van Beethoven auf (Decca, 2010). La Belle Excentrique, mit der Sopranistin Patricia Petibon, erschien im Herbst 2014 (Deutsche Grammophon). Im Oktober 2015 veröffentlichte Alpha Classics ihr erstes Album mit Véronique Gens, Néère, das den Komponisten Henri Duparc, Ernest Chausson und Reynaldo Hahn gewidmet ist und 2016 den renommierten Gramophone Award erhielt. Ein drittes Album mit Sandrine Piau, Chimère, erschien 2018 (Alpha Classics) und wurde mit einem Diapason d’Or de l’Année 2018, einem Choc Classica de l’Année sowie einer Nominierung bei den Victoires de la Musique 2018 ausgezeichnet. Im Herbst 2019 veröffentlichte Alpha Classics Long Time Ago, ein Album mit amerikanischen und englischen Liedern, aufgenommen mit der Mezzosopranistin Adèle Charvet. Im Frühjahr 2020 folgte L’Amour, La Mort, La Mer (Sony) mit Patricia Petibon. Heute widmet sich Susan Manoff zudem einem neuen musikalischen Abenteuer mit Julie Roset. Ihr gemeinsames Album M’a dit Amour (Januar 2026 – Alpha Classics) ist eine Hommage an die Liebe, an die Frauen und an das Leben.
Susan Manoff war stellvertretende Chordirektorin an der Opéra de Paris und ist derzeit Professorin am Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Sie tritt weltweit in Konzerten auf und gibt Meisterkurse. Im Jahr 2011 wurde sie vom französischen Kulturministerium zum Chevalier des Arts et des Lettres ernannt.

 Sandrine Cantoreggi ist eine französisch-luxemburgische Geigerin, deren künstlerisches Profil sich durch große Ausdruckstiefe und eine interdisziplinäre Vision auszeichnet. Ihre Ausbildung absolvierte sie in Luxemburg, Paris (CNSMDP),

Weitere Informationen:
www.sandrinecantoreggi.com

Das Quartett Integra, das als „farbenreich und rhythmisch spritzig“ (All News Press) beschrieben wird,
hat sich aufgrund seiner musikalischen Tiefe und Klangreinheit schnell internationale Anerkennung
erworben. Als Preisträger des Internationalen Musikwettbewerbs der ARD in München (zweiter Preis und
Publikumspreis, 2022) und der Wigmore Hall International String Quartet Competition in London (dritter
Preis und Sidney Griller Award, 2025) ausgezeichnet, bringt das Ensemble eine unverwechselbare Stimme
in die heutige Kammermusikszene ein.
Derzeit ist das Quartett in Hannover ansässig und baut und tritt u.a. beim Streichquartettfest des
Heidelberger Frühling, der Kammermusik Reihe in Wiesbaden, dem Smetana Festival in Pilsen, in der Alten
Oper Frankfurt sowie in Meran und Budapest auf.
Verwurzelt in der großen Quartett Tradition und offen für neue musikalische Akzente, erkundet das Quartet
Integra ein breit gefächertes Repertoire von Haydn und Beethoven bis Bartók, Ligeti und Komponisten der
Gegenwart und verbindet intellektuelle Neugier mit emotionaler Tiefe in seiner künstlerischen Identität.
Das Quartet Integra wurde 2015 an der Toho Gakuen Music High School in Tokio gegründet, als vier
jugendliche Musiker mit einer gemeinsamen Leidenschaft für Kammermusik zusammenkamen und seitdem
eine besondere, innige Chemie entwickelt haben. Das Ensemble erhielt seine frühe Ausbildung bei Kazuhide
Isomura und Nobuko Yamazaki an der Toho Gakuen School of Music, war später als Chamber Ensemble-in-
Residence an der Colburn School in Los Angeles tätig, wo es mit Martin Beaver, Jonathan Brown und Clive
Greensmith zusammenarbeitete, und setzt nun seine künstlerische Entwicklung unter Oliver Wille an der
Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover fort.

Ivan Skanavi, Gewinner des Grand Prix Emanuel Feuermann, gehört zu den führenden Cellisten seiner Generation. Er begeistert das Publikum mit seinem breiten stilistischen Klangspektrum, seiner klaren Klangprojektion und einer enormen Farbvielfalt. So
fangen heute die meisten Musikerbiografien an. Oft schreiben Künstler ihre Biografien selbst, und ich fand es immer seltsam, dass sie dabei über sich selbst in der dritten Person sprechen. Ich werde eine kleine Geschichte über einige wichtige Momente
meines Lebens erzählen – zumindest so lange, bis ich jemanden finde, der mich gut genug kennt, um meine Biografie zu schreiben. Wie wurde ich Musiker? Ich hätte Fußballer werden können. Als ich ungefähr sieben Jahre alt war, kam ein Jugendtrainer aus Moskau in unsere Schule, um neue Talente zu finden. Ich war einer von zwei Jungen, die er auswählte. Er nahm die Telefonnummer meiner Eltern und versprach, sich zu melden. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich schon begonnen, Musik zu machen. Seit meinem dritten Lebensjahr sang ich in einem Kinderchor, und mit sechs versuchte ich mich bereits an Cello und Klavier. Als der Anruf kam, übte ich gerade. Meine Mutter ging ans Telefon (sie dachte, es wäre mein Vater): „Hallo, ich bin Jugendtrainer eines Fußballteams. Ihr Sohn ist talentiert und sollte versuchen, professioneller Sportler zu werden. Er könnte der nächste Ronaldo werden!“ „Wer ist Ronaldo?“ Mit diesen Worten endete meine Fußballkarriere, bevor sie überhaupt begonnen hatte. Als ich jung war, übte ich nicht gerne. Cello zu spielen war schwierig für mich, ich verstand viele Dinge nicht. Ich war definitiv kein Wunderkind – eher im Gegenteil. Lange Zeit hatte ich keine besonderen Erfolge und verfolgte keine ehrgeizigen Ziele. Ein bisschen zu meinen Lehrern: Nach zwei Jahren Unterricht bei Olga Galochkina wechselte ich zu Tamara Alekseeva. Von ihr lernte ich etwas Wichtiges: immer zu versuchen, die beste Version meiner selbst zu werden. Ich ging auf zwei Schulen gleichzeitig – eine normale Schule und eine Musikschule – und hatte daher viel Zeit außerhalb der “Musikszene”. Diese Zeit verbrachte ich mit Freunden, spielte Fußball und war mit meiner Familie zusammen. Es war eine glückliche Kindheit. Mit etwa 13 begann ich, mehr Zeit mit dem Cello als mit Menschen zu verbringen. Meine Eltern arbeiteten viel, und meine Schwester studierte bereits. Nach der Schule verbrachte ich die Abende komplett mit dem Instrument. Ich wollte den besten Klang finden und frei spielen können. Ich probierte alles Mögliche aus – spielte im Dunkeln, veränderte Haltung und Griff – alles, was mir einfiel. Das Üben wurde zur Meditation, zu einer Art Teleportation aus der Realität. In diesen Momenten fühlte ich, dass ich genau das mein Leben lang tun wollte. Mit 16 begann ich mein Studium am Akademischen Musik-College des Moskauer Konservatoriums bei Professor Alexei Seleznev. Er war immer ehrlich und fair in seinen Kommentaren, streng, aber freundlich. Seine Klasse war wie eine Familie, eine Gemeinschaft. Wir kannten uns gut, redeten viel und verbrachten wunderbare, warme
Abende miteinander. Damals lernte ich meinen zukünftigen Professor Wolfgang Emanuel Schmidt kennen und nahm mehrere Stunden bei ihm. Ich war beeindruckt, wie klar, tiefgründig und gleichzeitig einfach er Musik und das Cellospiel erklärte. Seit
meinem 19. Lebensjahr studiere ich bei ihm und verdanke ihm sehr viel, wenn nicht alles. Er hat mir gezeigt, wie ich so spielen kann, wie ich es wirklich will. Ich habe in vielen Ländern und unterschiedlichsten Sälen gespielt, auf hervorragenden und weniger
guten Celli. Dabei habe ich wunderbare Menschen getroffen, die mir geholfen haben, meinen Sinn und meine Motivation zu finden. Bis zu meinem 19. Lebensjahr lebte ich in Russland, seit 2017 wohne ich fast ständig in Deutschland. Meine Familie blieb in Moskau, aber ich habe in Deutschland neue, tolle Freunde gefunden. Ich weiß nicht wirklich, wo mein Zuhause ist – mein Leben ist zweigeteilt. Ich habe erkannt, dass ich die Natur sehr liebe und das Stadtleben nichts für mich ist. Ich träume davon, neue
Dinge zu lernen – Gitarre spielen, Jazz-Improvisation, Singen, Selbstverteidigung und Reiten. Um Klang und Stil eines Künstlers wirklich zu verstehen, muss man die Person kennen. Das sagt viel mehr aus als eine lange Liste von Festivals, Wettbewerben und
berühmten Namen. Das ist vermutlich alles, was ich schreiben wollte.

Seohyeon KIM begann mit 8 Jahren Flöte zu spielen. 2016 wurde sie einstimmig zum Aufnahmewettbewerb des Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) zugelassen, im Alter von 13 Jahren. Sie war eine der jüngsten Flötistinnen, die einstimmig zugelassen wurde. Nach dem erfolgreichen Abschluss ihres Studiums mit den besten Noten in der Klasse von Philippe Bernold erlangte sie 2019 ihren Bachelor-Abschluss mit der Note „Sehr gut einstimmig“, gefolgt von ihrem Master-Abschluss 2021 mit der Note „Sehr gut einstimmig mit den Glückwünschen des Prüfungskomitees“. 2023 erwarb sie das Diplom „Artist Diplôme“ (dritter Zyklus). Im Alter von 20 Jahren gewann sie den zweiten Preis beim Carl Nielsen Wettbewerb (Dänemark, 2022) sowie zwei Sonderpreise, die vom Jugendjury und den Orchestermitgliedern vergeben wurden. Sie erhielt auch einen Sonderpreis beim Internationalen Kobe Wettbewerb (Japan, 2017) sowie den ersten Preis bei den internationalen Wettbewerben Maru (Südkorea, 2015) und Alexander & Bueno (Singapur, 2013).
Sie nahm an prestigeträchtigen Wettbewerben für die Position der ersten Flöte Solo teil, erreichte das Finale und stand auf den Wartelisten der folgenden Orchester: Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre National des Pays de la Loire, Orchestre National de France und l’Opera de Paris.
Mit 18 Jahren trat sie ihre erste Position als erste Flöte Solo im Gürzenich Orchester Köln unter der Leitung von François-Xavier Roth für die Saison 2020-2021 an. Im Januar 2022 wurde sie einstimmig zur ersten Flöte Solo der Zürcher Philharmonie von den Orchestermitgliedern gewählt. 
2024 wurde sie vom Label Initial ausgewählt und veröffentlichte ihr erstes Album Dali, das eine Verbindung zwischen französischer Musik und traditioneller koreanischer Musik, Arirang, herstellt. In diesem Album erforscht sie ihre musikalischen Wurzeln und spielt auch die traditionelle koreanische Flöte. Das Album wurde vom Magazin Rondo gelobt, das es als „CD zum Sonntag“ auszeichnete. Leidenschaftlich für das Unterrichten, leitete sie bis 2023 die Flötenklasse des Conservatoire von Carrières-sur-Seine. Gleichzeitig pflegt sie ihr Interesse an der Alten Musik und setzt ihre Traverso-Studien bei Jan de Winne am CNSMDP fort. Sie ist ebenfalls Teil der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker, wo sie ihre künstlerische Karriere unter der Leitung von Emmanuel Pahud, Jelka Weber und Egor Egorkin entwickelt.

Han-Wen Jennifer Yu wurde in Taoyuan, Taiwan geboren, sie erwarb den  Bachelor of Music in Piano Performance bei Prof. Juanelva Rose und Prof. Thomas Lindeder an der Tunghai University (Taiwan), wo sie mit der Auszeichnung abscholoss; den Master of Music in Collaborative Piano bei Dr. Cameron Stowe, Dr. Pei-Shan Lee und Prof. Jonathan Feldman am New England Conservatory; und den Konzertexamen in Klavier
Kammermusik bei Prof. Gudrun Franke und Prof. Gerald Fauth an der Hochschule für Musik und Theater Leipzig, wo sie mit der Auszeichnung abscholoss. Meisterkurse bei Professoren wie Robert Levin, Graham Johnson, Brigitte Engerer, Volker Banfield, Margo Garrett, Warren Jones oder Martin Katz vertiefen ihre Ausbildung. Sie erhielt ein Stipendium beim Aspen Music Festival 2010-11. 2010 nahm sie am Songfest teil und wurde als einer der Marc und Eva Stern Fellows aufgenommen. 2013 wurde sie mit dem Sonder Klavier-Stipendium Music Academy of the West in den USA ausgezeichnet.
Sie ist regelmäßiger Gast beim Konzer Sommerkonzert. Han-Wen Yu ist Preisträgerin zahlreicher nationaler und internationaler Wettbewerbe. Die Yamaha Music Foundation of Taiwan zeichnete sie 2006 mit einem Stipendium aus. 1. Preis beim Klavierwettbewerb der Stadt Taichung, 1. Preis beim Seidof Internationale
Klavierwettbewerb und 1. Preis beim Wienner Internationale Klavierwettbewerb. 2014 gewann sie den 1. Preis beim Clara Schumann Duo Wettbewerb in Leipzig, Deutschland. 2016 den 1. Preis mit Cellisten Mon-Puo Lee beim 19. Kiejstut Bacewicz Internationale Kammermusik Wettbewerb in Polen, und Preis für die beste Klavierbegleiterin beim George Enescu Festival Wettbewerb in Rumänien. 
Als eine aktive Pianistin, hat Han-Wen in den USA, Taiwan, Italien, Deutschland, der Tschechischen Republik, Polen, Spanien, Großbritannien, Schweden, der Schweiz und Frankreich konzertiert. Ihre Auftritte wurden von Performance Today (NPR), America’s Music Festivals (NPR), Chicago Radio, Deutschlandfunk und medici.tv übertragen. Als Solistin konzertierte sie mit der Trierer Philharmonie. 
Außerdem hat Frau Yu den Lehrauftrag für Korrepetition am New England Conservatory, Massachusetts Institute of Technology. 2012 hat sie beim Foulger International Music Festival, 2015 beim Prague Summer Nights Festival und 2016-2020 beim Euro Music Festival & Academy as Korepetitorin gedient. Von 2010 bis 2013 arbeitete sie als Studiopianistin für die Grammy-Gewinnerin Kim Kashkashian an der
NEC. 2017 hat sie mit dem Cellit Kian Soltani und maestro Daniel Barenboim zu arbeiten. Seit 2019 arbeitet sie als offizielle Pianistin bei Internationaler Louis Spohr Wettbewerb in Weimar, und seit 2022 arbeitet sie als offizielle Pianistin bei George Enescu Wettbewerb in Bukarest (Rumänien). Seit 2024 arbeitet sie regelmäßig mit der Karajan-Akademie der Berliner Philharmonie zusammen. Ihre bisherigen und aktuellen
Arbeitspartner umfassen International Tschaikowsky Wettbewerb, Königin-Elisabeth-Wettbewerb Preisträger, Mitglied des Gewandhaus Orchester und Berliner Philharmonie. Jetzt lebt und arbeitet sie als freiberufliche Pianistin in Berlin.

Judith Stapf, Violine  |  Arnau Rovira i Bascompte, Violoncello  |  Marco Sanna, Klavier
„Sinfonische Dichte, homogener Gesamtklang, kammermusikalische Intensität und Emotionalität“
(FAZ) – diese Worte beschreiben die außergewöhnliche Qualität des Trio Orelon, das sich seit seiner
Gründung 2019 in Köln als eines der spannendsten Kammermusik Ensembles etabliert hat.
In kürzester Zeit hat das Trio bedeutende nationale und internationale Wettbewerbe gewonnen,
darunter: 
Erster Preis und Publikumspreis beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München,
Erster Preis und Sonderpreis beim International Chamber Music Competition in Melbourne, Erster Preis und Sonderpreis beim Wettbewerb „Schubert und die Musik der Moderne“ in Graz.Weitere Auszeichnungen erhielten Judith Stapf (Violine), Arnau Rovira i Bascompte (Violoncello) und Marco Sanna (Klavier) bei Wettbewerben wie dem Premio Trio di Trieste, ICM Pinerolo-Torino, dem Schumann-Wettbewerb in Frankfurt und dem Mendelssohn-Wettbewerb in Berlin und sind Gewinner des Tiemann Ensemble-Preises 2025 bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern. Der Name „Orelon“, entlehnt aus der Weltsprache Esperanto, bedeutet „Ohr“ und steht sinnbildlich für die zentrale Bedeutung des Hörens in ihrer Musik. Das Trio, dessen Mitglieder sich an den Musikhochschulen in Köln und Berlin kennenlernten, widmet sich mit Neugier und Leidenschaft der Vielfalt des Klaviertrio-Repertoires. Ihre Interpretationen verbinden tiefgehende musikalische Harmonie mit unbändiger Energie und einem ausgeprägten Gespür für Nuancen.
Konzertreisen führen das Trio in renommierte Säle und Festivals wie das Concertgebouw Amsterdam,
den Wiener Musikverein, die Alte Oper Frankfurt, den Pierre-Boulez-Saal Berlin, das Prinzregententheater München, den Heidelberger Frühling und das Ravenna Festival in Italien. In seinen Programmen kombiniert das Trio Orelon klassische Meisterwerke mit weniger bekannten Werken und entführt sein Publikum in innovative thematische Konzertkonzepte. Mit „Beethovens Töchter“ hat das Trio ein wegweisendes Projekt ins Leben gerufen, das die Musik vergessener Komponistinnen in den Mittelpunkt rückt. Moderierte Konzerte stellen diese Werke in Beziehung zu Ludwig van Beethoven und schaffen so einen neuen Zugang zu weiblicher Kompositionskunst. Nach ihrem erfolgreichen Debütalbum mit Werken der amerikanischen Komponistin Amy Beach (Da Vinci Classics, 2022) widmete das Trio sein zweites Album den Komponistinnen Dora Pejačević und Amanda Maier; außergewöhnlichen Stimmen der Romantik, die zu Lebzeiten unterschätzt und später fast in Vergessenheit geraten sind. Die jüngste Einspielung des Ensembles präsentiert Antonín Dvořáks Klaviertrios Nr. 3 und 4 (CPO, 2025).